ENREDARTTE
LA REVISTA DEL COLECTIVO DE ARTISTAS ARTTEFACTO
ENREDARTTE NÚMERO 2026-1 ENERO
PIEZA DEL MES “INTERÉS CRECIENTE“
CT de @vicentediez1920 con esmalte de liquen.
Se ha tardado un poco en aplicar lo aprendido en ese maravilloso curso que ofreció @montsellanasceramica , hace ya demasiados días.
Las cosas ocurren en el momento adecuado cuando se hace por que ocurran, aunque la sensación de que todo pasa muy despacio, y a la vez tan deprisa puede ser un poco desesperante….
El resultado no es perfecto pero nos ha gustado mucho y tiene mucho margen de mejora🔥🔥
ACTIVIDAD CERÁMICA: "CONCURSO SOCIA DE HONOR DE ANPEC"
Cerámica hecha a mano, sin prisa, pero con Alma. Alcalá de Henares, España
EN EL TALLER: COCCIÓN REDCUTORA DE LAS PIEZAS
Cuando ponemos el horno, tras unas horas de inicio de la cocción en los que, lentamente desaparecen el agua física y comienza la modificación interna de la arcilla, la atmósfera interior del horno es. o bien oxidante, o bien reductora.
Si disponemos de un horno eléctrico, la cocción es principalmente oxidante y salvo que dispongamos de elementos para hacer una reducción (que no recomendamos por el peligro de las resistencias), siempre será bastante previsible el resultado al abrir el horno. En este tipo de horno, o cualquier otro con el que hagamos una cocción similar, hay una corriente de aire circular continua que permite la quema de todo el combustible.
En nuestro taller disponemos de hornos de gas de la marca Ingeniería 2000: el Talismán y el Potito. En este tipo de hornos, los quemadores permiten modificar la entrada de oxígeno y que parte del combustible quede sin quemar. El resultado de este tipo de quema es la producción de monóxido de carbono. Este inestable gas toma el oxígeno que le falta del que está disponible en los metales de la arcilla y el esmalte con el fin de volverse estable como dióxido de carbono. ¿Cómo afecta esto a las piezas del interior del horno? Los óxidos más afectados son los de hierro y cobre que presentarán colores e incluso texturas diferentes a los obtenidos en una cocción oxidante.
En las placas de la escalera se puede observar fácilmente la diferencia entra la reducción que afecta al óxido de hierro aplicado en los márgenes de las placas y la zona libre de óxido, más clara.
Como hemos indicado, la primera fase de la cocción sirve para eliminar la humedad física y química de la arcilla y cerrar lentamente el poro. A partir de los 900º y con una curva de cocción de aproximadamente 100º/150º grados por hora, comienza la reducción cerrando en parte el tiro de la chimenea y en nuestro caso, reduciendo mediante las rodelas de los quemaderos la entrada de aire.
Durante la reducción, la subida de la temperatura será mucho más lenta debido a la ineficaz combustión. Cuando llegamos a la temperatura de cocción, mantenemos la temperatura un pequeño tiempo más. Esto se llama meseta. La cocción no es subir hasta tal temperatura y listo. Es un proceso termodinámico donde tiempo y energía trabajan juntos. Si eliminas las mesetas, muchas reacciones quedan a medio camino aunque el display marque la temperatura correcta.
Mural con una fuerte reducción en la cocción que ha afectado, duramente a los esmaltes empleados.
Una vez terminada la cocción y la meseta, apaga el horno, cierra todas las entradas de aire del horno y lo dejas enfriar de forma natural.
Mural con esmalte de ceniza volcánica sometido a una fuerte reducción en el horno a 1260ª
Una de las personas que más nos ha aportado en el tema de las cocciones reductoras de esmalte en piezas de gres ha sido Alberto Rubio. En el taller Escénica de Guadalajara, las recetas de esmaltes Shino y Tenmoku llegaban al horno realizando distintas curvas de cocción y reducciones desde diversas temperaturas con el fin de buscar resultados sorprendentes pero conocidos.
Algunas de esas recetas son:
ESMALTE SHINO "JANNE"
- 40% Nefelina Sienita
- 30% Espodúmeno
- 17% Ball Clay
- 5% Carbonato Sódico
- 5% Caolín
- 3% Sal común
Pieza modelada y esmaltada por Alberto Rubio
- 57.4% Feldespato Potásico
- 17.6% Sílice
- 9.3% Creta o Carbonato cálcico
- 8.2% Ball Clay
- 7.4% Óxido de hierro rojo
- 75% Arcilla roja
- 25% Óxido de hierro rojo
- 70% Nefelina Sienita
- 30% Caolín China Clay
- 68% Feldespato
- 12% Yeso blanco
- 10% Pedernal
- 8% Arcilla
- 2% Óxido de hierro
- 36% Feldespato
- 24% Yeso Blanco
- 12% Caolín
- 12% Arcilla
- 12% Pedernal
- 6% Óxido de estaño
- 0,25%Carbonato de cobre
PIEZA DEL MES: Vasija, Buño, cochura en reducción a cono 9, y "vestida" con superposición de esmaltes. Por Alberto Rubio
ACTIVIDAD CERÁMICA:
ADN CERÁMICO: MAITE PALACIOS
Maite es la gerente del Espacio Artístico A CÁNTAROS el proyecto radicado en Peñaranda de Duero, dedicado a la innovación. Una innovación de producto, que es un cambio a mejor, en la oferta del mismo (a través de la identidad gráfica, las características funcionales, el diseño, la adaptación a los nuevos gustos y necesidades, o la recreación de cerámica histórica), despojando a la alfarería artesana de todo carácter industrial, y centrando nuestro esfuerzo en potenciar el valor estético de las piezas, con escrupuloso respeto a la tradición, rescatando en muchas ocasiones formas y técnicas caídas en desuso.
Todo ello en un entorno natural y a la vez, urbano en medio de la Ribera del Duero burgalesa.
DONDE COMPRAR: CERÁMICAS VICENTE DÍEZ
Vicente Díez es un referente del sector cerámico en la fabricación de Pastas Cerámicas y comercialización de Arcillas y Minerales. A principios del siglo XX, Luís Díez Cases inicia la fabricación de pastas cerámicas para dar respuesta al crecimiento de las tradicionales fábricas y talleres artesanales de Manises.
En los años 70, comienza la fabricación de nuevas pastas cerámicas apostando por materiales para la alta temperatura, greses y porcelanas, abriéndose al mercado exterior y exportando sus productos por todo el mundo. En la actualidad, la Empresa forma parte de un grupo cerámico líder en el sector, prosiguiendo su expansión comercial y distribuyendo sus productos en España y en mercados internacionales.
EN EL TALLER: COBRE MATE
La técnica del cobre mate es una de las más apreciadas en la actualidad. El resultado son piezas únicas que no solo gustan por su belleza, sino por el proceso que conlleva su creación y que conecta con una tradición centenaria.
En las cocciones de COBRE MATE que se HACEN hoy día SE sigue la estela de la tradición, pero no es igual. Para su práctica, se utilizan temperaturas que están entre los 750 °C y los 1010 °C, y no sirven todos los tipos de arcilla, se emplea la arcilla roja común o arcilla para loza, arena o chamota.
La técnica de la cerámica mate o copper raku es más que un esmaltado. Se trata de una cobertura de óxido de cobre, pues este supone entre el 80-90 %. En cambio, las fritas alcalinas que suelen acompañar al cobre varían entre el 10-20 %.
Las pastas deben ser lo suficientemente lisas para apreciar los destellos de color una vez se complete el proceso. También resistentes, porque deben soportar choques térmicos bruscos ya explicados.
La dificultad está en controlar los tiempos. Algunos ceramistas dejan enfriar la pieza durante unos minutos antes de que entre en contacto con las llamas del serrín. Otros, en cambio, evitan el contacto directo separando la pieza con una malla metálica.
PIEZA DEL MES: Menina en PRNF, por Maite Palacios
ACTIVIDAD CERÁMICA: FUMFEST de la mano de ANPEC
ADN CERÁMICO: LUIS ALBERTO LARRIBA CABEZUDO
Aprendió alfarería con Braulio Vivas, Lali el alfarero, y modelado y cerámica con María José Campos y Carlos Chacón en la Mutual Complutense de Alcalá de Henares. En la Escuela Oficial de Cerámica Francisco y Jacinto Alcántara de Madrid se hace Técnico Superior en Cerámica Artística.
Profesor de la Escuela de Cerámica del Centro Gilitos en Alcalá de Henares donde le conocimos varios de l@s soci@s de este Colectivo, nos pasamos en bloque a la Escuela de Folklore de Guadalajara y a la Escuela de Cerámica Prehistórica de Molina de Aragón.
En su Tartanedo natal, con un humo de hoguera de Señorío, paredes de roca, hermoso lavadero e iglesia guarida de ángeles pintados guarnecida de viejos cacharros lañados, hemos torneado, quemado y esmaltado como en nuestra propia casa.
En el cruce de dos calles, un hombre gigante ríe y mira orgulloso la puerta de su alfar.
Recuerda como llegaron las grandes piedras de su dintel y soporte de la madera vieja de su puerta que, al abrirse, muestra tierra, aire, agua y fuego de maestro alfarero.
Es un lugar llenos de alquimia y brujería, donde en lugar de terminar en la hoguera, Luis es quien la origina, quien se convierte en dueño del fuego.
Muchas piezas duermen en sus estantes como Larriba duerme sobre los restos de barro, sabina y las briznas de este relato. La que quedaron en las llamas, vasijas quebradas y meninas descabezadas por Cabezudo ante la atónita mirada de su pequeña estrella.
En este lugar, siempre hay un esmalte que deslumbra, una curva que llega precisa a una botija, una horma de vaso de antaño o el reflejo vivido de las llamas de sus colores.
Unión de la tierra y la llama, de la opacidad y la transparencia, del brillo y la profundidad, del calos de la llama y el helado ambiente del Señorío.
Hay aún mucha arcilla en las manos de mi maestro, muchos óxidos con los que colorear las vasijas por hacer, muchos sonidos para casar del barro en este mismo año, mucha sabina para mantener en vela los tizones de sus ojos y las altas llamas del horno.
DONDE COMPRAR: MONTESA CERÁMICAS
Con más de cincuenta años de experiencia en el mundo cerámico, la familia Montesa-Latorre, constituye la empresa MONTESA PRODUCTOS CERAMICOS SOCIEDAD ANONIMA, dedicada fundamentalmente a la fabricación de materiales cerámicos, ofreciendo a los artesanos e industrias del sector, una materia prima de alta calidad y asistencia técnica profesional y especializada.
En Montesa (MPC, S.A.), fabrican pastas cerámicas blancas de baja temperatura como es la loza para extrusión y collage, pastas blancas de media temperatura como son los semigreses y vitrogreses y, también, pastas blancas de alta temperatura como es la porcelana y el gres.
En el ámbito social, participa y colabora en la mayoría de los eventos, concursos y exposiciones cerámicas que puede, formando equipo, muchas veces con la Asociación Nacional de Profesionales de la Cerámica ANPEC.
Puedes visitar su web en: https://www.montesapc.com/
EN EL TALLER: DECORACIÓN CON CERAS Y TIZAS PARA CERÁMICA, con Paloma Escudero
Existen ceras y tizas para decoración cerámica con las que puedes conseguir piezas decoradas bajo cubierta. El formato es similar al de los lápices cerámicos, pero el efecto es más difuminado. Se pueden conseguir estos materiales en diferentes colores y podemos lograr efectos muy bonitos.
Son lápices de cera elaborados a base de hidrocarburos, pigmentos y vitrificadores. Pueden ser empleados sobre cualquier superficie cerámica.
Paloma realiza los trazos del diseño con mano firme. Las líneas son indelebles lo que le permitirá esmaltar con pincel sin estropearlas. En ocasiones, este tipo de trabajo lo puede hacer bajo cubierta, es decir, que los diseños trazados con las tizas cerámicas serán cubiertos por un esmalte transparente. Los colores son estables, incluso tras su cocción en atmósfera reductora.
ENREDARTTE NÚMERO 2026-4 - ABRIL
PIEZA DEL MES: Título: Experiencias de vida, por Alicia Calpe
- Técnica: Modelado mediante churros
- Material: Gres negro chamotado PRNG (sio2), peana de hierro
ADN CERÁMICO: Carlos Agudín & Paloma Escudero
No hay ningún impedimento para hacer algo que amas, en el momento que quieras; no importa cuando decidimos empezar ni de la mano que quién, no importan las dificultades por las que hayas pasado, siempre hay margen para reordenar nuestras prioridades y darle un giro a nuestra vida.
Eso fue la cerámica para Paloma y para mí. Aquí haremos un repaso con los mejores momentos de un acercamiento a la cerámica que nos llena de vida.
Muchos de esos momentos son en compañía, otros en pareja y unos pocos, casi nada en nuestra vida, individuales.
ARTE, BARRIO Y MEMORIA EN EL PRIMER ANIVERSARIO DE LOS CLER
ARTE EN LA CALLE 2026. En la fiesta del primer aniversario de la formación de los CLER, Paloma participa junto a otras asociadas de ANPEC sembrando las primera piezas de un mural cerámico participativo nacido desde el barrio y para el barrio.
Esta año, tanto Paloma como Carlos han participado en este concurso organizado por la Asociación Nacional de Profesionales de la Cerámica a la que ambos pertenecen.
Sus propuestas han sido:
Desde 2019 pertenecemos a la Asociación ANPEC, un grupo de personas que aman la cerámica y donde hemos aprendido técnica, teoría y práctica en el modo de trabajar la arcilla.
En 2023 comienza el estudio de la elaboración de murales en 3D. Con el punto como base de desarrollo. Cada pieza, y aún faltan unas cuantas en la serie que tengo pensada, representa un punto que explora el lenguaje como medio de expresión y en el que trata de cosas muy concretas.
CONCIVENCIAS CERÁMICAS. ONDA 2023
VII convivencias cerámicas Internacionales de Onda. Unos días de compartir entre amigos y colegas la pasión por la cerámica, en el que, entre otras actividades hemos colaborado en la creación de un mural con la dirección de Douglas Schultz, Que además de ser un gran artista es un ser humano genial.
EXPOSICIÓN COBALTO Y COBRE 2023 en el museo Nacional González Martí de Valencia.
Carlos Agudín fue el ganador del CONCURSO DE OBRA CERÁMICA: “Galardón Socio/a de Honor ANPEC 2023“
EXPOSICIÓN ORGANIC
Exposición Organic en Manises. Allí estamos hasta el 9 de diciembre de 2020
LOS CURSOS DE CARLOS Y PALOMA
No todo es aprender. También toca divulgar los aprendido y compartir experiencias. En 2024 organizamos un taller de Cristalizaciones en Espacio A Cántaros de Peñaranda de Duero
Pero esto comenzó mucho antes y siempre tuvimos la suerte de hacer este camino acompañados...
ESTUDIO DEL TALLADO EN LA CERÁMICA
Descubrir el trabajo del tallado de la cerámica supone quedarse prendado un buen rato observando como llevar a cabo un agradable resultado en nuestras piezas escultóricas. Todas tienen algo extrañamente familiar, reconocible; sin embargo, están envueltas de un halo enigmático que empuja al observador a ir un paso más allá. Tienen, sin duda, algo que contarnos.
Intentamos desarrollar un perspicaz estudio de las formas, que recoge principalmente de la naturaleza
Una de las primeras exposiciones importantes en la que hemos participado, fue ORGANIC 2020 en Manises y nuestras piezas talladas fueron las que nos representaron
2016 ESTUDIO DE LAS FORMAS ESFÉRICAS
Pensar en esferas, desde la fascinación de los primeros humanos por el Sol y la Luna hasta las teorías de la época moderna, ha sido clave para la ciencia y la vida.
Una burbuja es una esfera porque las fuerzas que la forman se distribuyen equitativamente por todos lados hasta que encuentran su estado estable. “La esfera es el estado más estable”.
Para iniciar el estudio de las deformaciones de la esfera, debemos ante todo precisar las reglas del juego al cual estamos convidados, familiarizándonos con las transformaciones permitidas y siendo conscientes de lo que está prohibido. En primer lugar, conviene abordar la noción de incubamiento.
NUESTROS INICIOS CON EL RAKU
Piezas para el concurso Socio de Honor de ANPEC 2025 en Raku
Tartanedo 2016
En 2014, cofundamos la Escuela Municipal de Cerámica con un grupo de amig@s y compañeros de la cerámica bajo el epígrafe EL SILO - ESPACIO ARTÍSTICO
Desde 1999 comenzamos a presentar nuestras piezas en los mercados temáticos teniendo una muy buena acogida. El primer contacto con la cerámica vino a través de los diseños con teselas
DONDE COMPRAR: KADAR CERÁMICA
EN EL TALLER: ENGOBES COLOIDALES, Por Laura Castrillo
Los engobes coloidales, por muchos ceramistas conocidos como “terras sigillatas”1, están formados por la parte más fina de la arcilla (las partículas coloidales, de tamaño inferior a la micra), y se obtienen normalmente de la decantación de las arcillas, ya sean comerciales o naturales.
(1) Aunque a lo largo de este artículo he utilizado el término “engobe coloidal”, el término más común entre los ceramistas en las últimas décadas ha sido, y creo que sigue siendo, “terra sigillata”. Este término choca con su definición en la arqueología, en la que se utiliza para referirse a una producción cerámica de una época y características concretas. Sin embargo, no es la primera vez que un vocablo cambia de significado en la propia lengua o en la jerga de un oficio, ya sea por similitud, inclusión o cualquier otra relación.
(2) También se puede hacer con silicato cálcico, pero, para mi gusto, tiende a crear geles que inutilizan el engobe coloidal en poco tiempo.
Figura 3 : Extracción
(3) Personalmente me gusta usar los engobes coloidales tal y como son, pero siempre existe la opción de teñirlos artificialmente.
Por poner dos ejemplos de los que partir, las medidas para dos arcilla comerciales muy utilizadas que usamos en el taller son:
ARCILLA ROJA:
- - 500 g de arcilla
- - 2 l de agua
- - 4 g hexametafosfato sódico.
ARCILLA REFRACTARIA ALBINA CON CHAMOTA FINA:
- - 750 g de arcilla
- - 2,4 l de agua
- - 5 g hexametafosfato sódico.
Nótese que de la segunda, la cantidad que se echa es mucho mayor, por la cantidad de chamota que tiene y que, claro está, no va a pasar a ser parte del engobe coloidal.
Estas cantidades pueden ser un buen punto de partida para cualquier otra arcilla. Parte de la gracia de esta técnica es encontrar tus propias arcillas naturales de las que hacer los engobes coloidales, pero esto, por supuesto, como en toda la cerámica, requiere muchas pruebas y un poco de sistematización.
Muy bien, y ahora que tenemos hechos nuestros engobes coloidales, ¿para qué los usamos? Tiene múltiples aplicaciones. Cualquier pieza que haya que bruñir, tanto si su acabado es simplemente el propio bruñido, como si es el inicio de una técnica más compleja (como el rakú desnudo), se verá claramente favorecida con un engobe coloidal, aparte de poder dar otro color a la pieza base. Es decir, podemos obtener una pieza del mismo color que bruñida pero con un brillo muy superior, u obtener un color diferente3 pero natural y brillante. La riqueza de nuestra paleta de engobes coloidales crecerá con el tiempo y las pruebas.
UN AVISO: Aunque los engobes coloidales mejoran mucho el acabado, el trabajo de la base con un buen bruñido no es sustituible, por lo menos para mis estándares de calidad.
Los acabados que se benefician de estos engobes coloidales van desde los ahumados (con papel, con serrín, cociones villanovianas, obvara,… ), al pelo de caballo, el rakú desnudo, las cocciones áticas, el pit firing… (Figs. 5, 6 y 7).
Aplicación
Como es habitual con cualquier engobe, su aplicación es en crudo, generalmente con la pieza ya seca, aunque esto puede depender del gusto de cada uno.
Conviene aplicarlo con una paletina fina o un pincel en capas finas a las que se irá sacando brillo antes de cada nueva aplicación. Para ello se puede utilizar un plástico fino frotando suavemente la superficie, casi sin tocarla para evitar hacer marcas. Este brillo se debe a la orientación coherente de los cristales planos de la arcilla en el engobe coloidal, que se ordenan por la electricidad estática al frotar, no es como sacar lustre o pulir. Normalmente se aplicarán dos o tres capas, pero hay que tener en cuenta que cuando el engobe coloidal es de color, este puede variar según el número de capas. Hay mucho que jugar con la transparencia de estos engobes cuando se aplican de esta manera.
Es posible aplicarlo también por vertido o bañado, pero en esos casos es mucho más difícil controlar la capa, además del riesgo que supone para la pieza en crudo. Si se decide hacerlo así, es mejor que esté en dureza de cuero que completamente seca.
Esta forma de trabajar asegura un acabado uniforme y bien adherido, especialmente cuando el engobe no está hecho con el mismo barro de base. Por otra parte, para algunos acabados, podríamos querer una densidad mayor, por ejemplo para las figuras negras en las cocciones áticas (Fig. 7). En este caso, mi recomendación es dejar que se evapore naturalmente, aunque siempre se puede adelantar hirviendo el engobe.
Cocción
En la mayoría de los acabados anteriormente nombrados hará falta un bizcochado de las piezas. De nuevo es necesario un equilibrio, porque a partir de cierta temperatura el brillo disminuye y el tacto empeora, pero las piezas tienen que haber alcanzado suficiente temperatura para ser manejables y tener una resistencia aceptable. Yo lo suelo bizcochar a 840 ºC, siendo 980 ºC el máximo aconsejable.
Laura Castrillo es socia de distintas asociaciones ceramistas y figura en el Registro Artesano de Castilla y León
PIEZA DEL MES:
EVENTO DEL MES: 30 DE MAYO: TORNOCATORIA 2026, por ANPEC
La TORNOCATORIA es la llamada a rebato del Turno del Torno que consiste en un encuentro internacional que sitúa el torno alfarero como eje de creación, investigación y transmisión. Durante tres días, Manises se transforma en un espacio de intercambio donde conviven tradición, contemporaneidad y experimentación.
Línea conceptual 2026
Esta edición pone el foco en el trabajo en gran formato, entendiendo el torno no solo como herramienta funcional, sino como medio para expandir límites formales, técnicos y expresivos.
- Qué buscamos de los artistas
- Una actitud abierta, generosa y participativa.
- Capacidad para compartir procesos y ცოდ conocimientos de forma accesible.
- Propuestas dinámicas y vivas, que conecten con el público.
- Implicación en una experiencia colectiva, más allá de la práctica individual.
El objetivo es generar un entorno inspirador, cercano y experimental, donde el público no solo observe, sino que forme parte del proceso, y donde el torno actúe como hilo conductor entre artistas, materia y comunidad.
ADN CERÁMICO: PALOMA ABELLÁN SIMÓN
Paloma Abellán Simón desarrolla una destacada labor como divulgadora en el ámbito de la cerámica, combinando sensibilidad, rigor y cercanía en la transmisión de conocimientos. A través de su proyecto Diario de Ceramista, contribuye activamente a visibilizar procesos, técnicas y voces del sector, generando un espacio de referencia tanto para profesionales como para personas interesadas en este campo. Su trabajo aporta valor cultural y fomenta el reconocimiento de la cerámica como disciplina artística y patrimonial.
WEB: https://www.ceramicasuko.com/es/quien-soy/
Hacer cerámica es mi manera de escuchar el mundo… y de escucharme. Durante años, la cerámica ha sido mi refugio y mi espejo. Cada pieza que nace entre mis dedos guarda algo de mí: una emoción, una memoria, una pregunta. No es solo lo que se ve, sino lo que se intuye en la forma, en la textura, en la cicatriz del fuego. Todas llevan la huella de un momento vivido.
PROYECTOS: ARTERRA: Donde la cerámica une territorios y emociones
ARTERRA es una red que enlaza a las ciudades y pueblos con alma ceramista de toda España. Un proyecto que nace para reconocer la cerámica como un lenguaje común, capaz de conectar tradiciones, paisajes y personas. Bajo este gran paraguas se reúnen destinos que comparten siglos de historia, de saber hacer y de creatividad, y que hoy abren sus puertas al viajero para mostrar un patrimonio vivo que sigue evolucionando.
En ARTERRA, la cerámica deja de ser solo un oficio o una técnica ancestral para convertirse en una experiencia cultural y sensorial. En cada lugar, la arcilla —símbolo de origen y permanencia— se transforma en arte, en memoria y en emoción: en las manos de los artesanos, en los hornos, en los museos y en las calles que conservan el pulso de quienes moldearon su identidad a partir de la tierra.
EN EL TALLER: CRISTALIZACIONES con Carlos Agudín y Paloma Escudero
La cristalización en los esmaltes de cerámica es conocida como una de las técnicas de esmaltado de cerámica más desafiantes, El próximo fin de semana, Carlos Agudín y Paloma Escudero, nos vuelven a mostrar lo aprendido en su acercamiento a este tipo de acabados de piezas.
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Tras el éxito de la primera convocatoria, repetimos (y vamos a ampliar) el conocimiento de esmaltes que garantizan resultados impresionantes en todo momento. Son esmaltes tan fáciles de aplicar como los esmaltes convencionales y, se pueden usar en cualquier horno.
Tanto si eres principiante como si ya posees conocimientos de cerámica, estos monográficos están preparados para ayudarte a experimentar la magia del esmaltado cristalino con facilidad.
En esta ocasión el ESPACIO ARTÍSTICO A CÁNTAROS, contará con la presencia de Luis Larriba que traerá piezas torneadas en porcelana y la participación de amigas y amigos del mundo de la cerámica que pondremos todo nuestro empeño en aprender.
TODO PREPARADO
Las cocciones en cristalización consiste en forzar ciertos componentes, como el óxido de zinc, a formar cristales, que sean visibles en la superficie de la pieza.
El proceso se da sobre todo en el enfriamiento del esmalte. cuando este comienza a endurecerse, punto y aparte
Para la formación de cristales, tenemos que tener un control eficaz en el proceso de la cocción, sobre todo en la bajada, cuando los maltes está enfriando.
Es absolutamente necesario utilizar contenedores, no importa el barro usado siempre que sea refractario, para recoger el esmalte que tiende a ser muy fluido y escurrir sobre la placa del horno
Para continuar con la inmersión cerámica, estamos en el Museo de Cerámica de Aranda de Duero donde acaban de encender el horno para el ya tradicional Raku de la Noche Blanca
Y como siempre que es posible, mantuvimos el contacto con alfareros y ceramistas de otras localidades
De vuelta a casa, nos preparamos para la hornada del sábado que vamos a realizar con la siguiente curva de cocción:
- Subida desde 0 hasta 1298 abajo y 1286 arriba desde las 1030 hasta las 15:30. Cerramos gas en bajada natural. Desde las 17;15 estamos en mantenimiento con una media de 1015 arriba; 1035 abajo
- Mantener hasta 20.15 horas. No puede pasar de 1040 grados.
- Ya que la formación de cristales está en torno a 1040. Vamos a intentar mantener este rango de temperatura hasta completar 3 horas.
Un aspecto importante del control de la temperatura de bajada de la cocción es que como resultado de esta los cristales formados tendrán distintas formas
La formación de las típicas plumas, estrelladas, será aproximada hacia los 1120° C.
Entorno a los 1080°C. serán trapezoidales, redondas en 1000°C y puntos dispersos a los 820°C. siendo estas temperaturas, una referencia, pero no una certeza, ya que influye la composición del esmalte y la curva de cocción
RESULTADOS
NOTA DE SEGURIDAD EN LOS TALLERES
Debido al alto contenido de zinc en nuestros esmaltes cristalinos, no se consideran aptos para uso alimentario. Sin embargo, pueden usarse en diversas piezas de cerámica, como jarrones, cuencos para alimentos secos, el exterior de tazas y cualquier otro artículo donde el esmalte no entre en contacto directo con alimentos.
ENREDARTTE NÚMERO 2026-6 - JUNIO
PIEZA DEL MES: TRINANA
Esta pieza la hice en torno de Alfarero. El estudio de vidriado se ha realizado junto a Manuel Keller, el lo llama Triana para diferenciar de otros reflejos.
El efecto iridiscente característico se obtiene mediante una segunda cocción en atmósfera reductora, alcanzando una temperatura aproximada de 530 °C y manteniendo una meseta de 30 minutos. Durante este proceso se favorece la reducción de los compuestos de cobre, generando los reflejos metálicos sobre la superficie cerámica.
Como fase final del proceso, se realiza un tratamiento químico de limpieza y revelado mediante ácido clorhídrico diluido
EVENTO DEL MES: CONVIVENCIAS CERÁMICAS EN ONDA
Veronica Fabozzo como invitada de las X Convivencias Cerámicas
La participación de Fabozzo refuerza el carácter internacional de unas convivencias que este año tendrán a Italia como país invitado y que celebran su décimo aniversario convertidas ya en una de las grandes citas dedicadas al muralismo cerámico y a la creación contemporánea en torno al barro.
Reconocida por su trabajo vinculado a la experimentación cerámica, el arte mural y la investigación de procesos artesanales, Veronica Fabrozzo desarrollará durante las convivencias una propuesta colectiva abierta a los participantes, siguiendo el espíritu colaborativo que define el encuentro desde sus inicios. Su proyecto Ars Melusina destaca por combinar tradición, narración visual y contemporaneidad, convirtiendo el proceso creativo en una experiencia compartida.
El mural colectivo volverá a ser uno de los grandes ejes de la programación y permitirá a artistas, estudiantes y asistentes trabajar conjuntamente bajo la dirección de la creadora italiana, generando una obra que quedará vinculada al patrimonio artístico de las convivencias.
Además de la presencia de Veronica Fabozzo, la edición de 2026 contará con destacadas especialistas italianas vinculadas al estudio y conservación de la cerámica histórica y el diseño contemporáneo. Entre ellas participarán la Dra. Vittoria Nassi, curadora del Museo de Cerámica de Montelupo, y la Dra. Marina Vignozzi, curadora del Archivo Bitossi, quienes ofrecerán una charla centrada en la tradición cerámica italiana y en figuras esenciales del diseño como Aldo Londi y Ettore Sottsass. Por parte del Colectivo Arttefacto, Luis Larriba participará con su rueda de mano de Zarzuela de Jadraque.
El programa incluirá también talleres experimentales, demostraciones técnicas, sesiones PechaKucha, actividades culurales que puedes ver aquí: https://www.instagram.com/reel/DY3vUl_ITNJ/?igsh=Mnlwcmg5OHN3a3J1
ADN CERÁMICO: LAURA CASTRILLO
Generalmente, la materia prima es gres o barro refractario, que, tras aplicar engobes o vidriados propios, cuece a alta temperatura, ya sea en oxidación en horno eléctrico, o en reducción en horno de gas. También las cocciones no convencionales, especialmente los ahumados sobre engobes coloidales, tienen una gran importancia en este taller: rakú desnudo y cocciones áticas son dos líneas de su investigación y producción.
Cada una de sus obras es diferente y única: además de expresar una idea, se trata de dotarlas de expresión, personalidad y movimiento.
Laura no procede de una familia de ceramistas ni alfareros. Su interés por la cerámica viene de su eterna necesidad de crear con sus manos. De formación e intereses amplios (Ingeniera Técnica Forestal y profesora técnica de formación profesional en la familia profesional de Madera y Mueble), se forma en la cerámica de forma principalmente autodidacta a lo largo de su juventud, aunque afianza y amplía conocimientos con varios ceramistas nacionales e internacionales.
Tras solicitar la excedencia de su puesto como docente, en 2012 abre su propio taller en el barrio Girón de Valladolid, donde se dedica, principalmente, a realizar pieza única o series pequeñas. Desde entonces compagina la creación con la enseñanza y difusión de la cerámica (talleres participativos con asociaciones vecinales, AMPAs, colegios y otras instituciones, exposiciones colectivas, demostraciones en vivo, etc), pretendiendo así transmitir su pasión por este medio creativo tan desconocido.
En 2015 le otorgaron el Primer Premio en el I Concurso Nacional de Artesanía Ciudad de Mijas, y su obra ha sido seleccionada en varios concursos de cerámica.
Pertenece a varias asociaciones profesionales, como FOACAL, ANPEC y ACEVA. En esta última, ha ocupado los cargos de presidente y secretaria en varias ocasiones.
PROYECTOS: ACEVA: ASOCIACIÓN DE CERAMISTAS VALLISOLETANOS
ACEVA: Más de 40 años manteniendo la tradición y promoviendo la vanguardia cerámica desde la provincia de Valladolid
La Asociación de Ceramistas Vallisoletanos (ACEVA) fue fundada oficialmente el 15 de diciembre de 1983, aunque el germen que dio lugar a su fundación fue la organización de la Feria de Cerámica y Alfarería de Valladolid, que se celebró por primera vez en 1978. La asociación nació con el firme propósito de agrupar y defender a los creadores de cerámica de la provincia, proteger los procesos de producción manual frente a la industrialización y dignificar y difundir el oficio.
A lo largo de sus más de 40 años de trayectoria, ACEVA ha sabido conjugar el respeto por la rica herencia alfarera local con una decidida apertura hacia la cerámica contemporánea de autor. Sus socios son un compacto grupo de profesionales locales entre los que conviven maestros alfareros y ceramistas de estudio, productores de piezas utilitaria con escultores y creadores de productos decorativos, artesanos centrados en la conservación y perfeccionamiento de las técnicas clásicas o enfocados en la investigación de materiales y procesos.
Además de otras actividades puntuales (como exposiciones, publicaciones y colaboraciones con los ayuntamientos de la provincia), ACEVA organiza de forma periódica, en colaboración con el Ayuntamiento de Valladolid, tres importantes eventos cerámicos:
• La Feria de Cerámica y Alfarería de Valladolid: Con cerca de medio siglo de historia, este mercado monográfico reúne cada mes de septiembre en el Paseo Central del Campo Grande a más de medio centenar de expositores nacionales e internacionales, destacando por el rigor en la selección de talleres artesanos. Tiene una gran acogida, siendo una de las más antiguas de España y un hito esperado tanto por ceramistas como por el público.
• El Concurso Internacional de Cerámica "Ciudad de Valladolid": De carácter bianual, se trata de una ambiciosa convocatoria artística que atrae a creadores de todo el mundo. Las piezas finalistas, que compiten en innovación técnica y conceptual, se exhiben en una muestra monográfica en la Sala de Exposiciones de la Casa Revilla de Valladolid.
• El Concurso de Modelado Rápido “Ciudad de Valladolid”: Esta joven iniciativa (este año 2026 ha celebrado su sexta edición) viene a demostrar que ACEVA sigue buscando, de manera activa, nuevas formas de difundir y promocionar el oficio cerámico. El Concurso reúne a aficionados y profesionales que, en un plazo de tres horas, deben realizar una pieza escultórica en arcilla. La participación de las últimas ediciones demuestra que ya es una actividad consolidada en las fiestas patronales de San Pedro Regalado (13 de mayo).
Por su trayectoria e implicación con el oficio cerámico, ACEVA mereció ser finalista en los Premios Nacionales de Cerámica en su IX edición, organizada por la Asociación Española de Ciudades de la Cerámica.
ACEVA sigue operando hoy en día como un puente esencial entre el relevo generacional de los talleres tradicionales y los nuevos lenguajes de la cerámica de estudio.
Me pide mi amigo ,Jose Palacio, que ilustre y escriba un texto sobre la construcción de Chawan.
Pero antes de meterme en materia, habría que definir qué es un Chawan, su traducción más o menos literal, sería la de un cuenco para tomar el té, con lo que podríamos "perdernos" en multitud de formas, tamaños, acabados y pesos, en función del país de origen que se utilicen, para China y Corea tendrían una forma y también, significado distinto que para Japón.
Los que conocéis mi trayectoria, sabéis que me dedico fundamentalmente a la enseñanza y construcción de Matcha Chawan ( Chawan utilizado en la ceremonia del té en Japón Chanoyu).
Hay, y he sido testigo de muy diferentes formas de enfocarlo, pero para ser lo menos subjetivo posible, creo que deberíamos de ceñirnos a hechos irrefutables acontecidos, en el pasado, y a la historia de por qué surgió la figura del Chawan en Japón, sus orígenes, su funcionalidad, y su uso.
No quiero dar rienda suelta a mi imaginación, que os pudiera transmitir "mi verdad", así que me limitaré a ceñirme a la historia acontecida:
Deberemos remontarnos al Japón del siglo XVI , cuando Tanaka Chojiro (1.516-1.592), primer y más destacado ceramista documentado, en el origen histórico de la producción de cerámica Raku, contactó con Sen no Rikyu( maestro de la ceremonia del té, y figura central en la codificación de la ceremonia protocolaria del té en Japón), el cual encarga a Chojiro la construcción de un cuenco para la ceremonia del té (Chanoyu), y que tendría como principios: la armonía, el respeto, la pureza, y la tranquilidad.
Es en ése momento, cuando se data el primer recipiente Matcha Chawan, según lo concibió Chojiro , piezas de tonalidades monocromas, en negro, blanco o rojo, con una estética única que pretende la eliminación del movimiento, la decoración, y las variaciones de formas, son cuencos de hechura manual, lo que les diferenciaba de otras formas de construcción Japonesa.
La hechura manual, permite que el ceramista "hable" a través de la obra acabada, y que le confiera un carácter "espontáneo", pero "intimista" al mismo tiempo.
Mi concepto del Matcha Chawan, se acercaría al término Japonés Shibui, y que podríamos traducir como: "Rudo, inacabado, imperfecto, de belleza sencilla y elegancia sobria, que nos acerca a la naturaleza misma".
Su forma asimétrica, tosca, de textura rugosa y colores terrosos, poseen la belleza profunda y duradera, de la imperfección.
Una vez queda claro que el maestro Sen no Rikyu, encarga a Chojiro la construcción del primer Chawan documentado, y utilizado en la ceremonia del té en Japón; Deberíamos saber qué características, también probadas (Museo Raku de Kioto), debían de tener los Matcha Chawan, en cuanto a tamaño y forma se refiere:
Altura aproximada. 7,5/9,5 cmts
Diámetro aproximado. 10,5/12,5 cmts
Diámetro Kodai, entre 4,8 y 6 cmts.
Peso aproximado (dependiendo del tipo de arcilla utilizado, y medidas mínimas o máximas)... Entre 350 y 420 grms .
Ahora tendríamos que dar paso a su construcción, y elegir cual de entre las diferentes técnicas conocidas ( torno, pellizco, Kurinuki, vaciado, Familia Raku, etc )
Yo enseño, y practico la construcción basada en la familia Raku, ya que fue Chojiro el primero en ostentar el sello que le hacía portador de los valores del Raku (tranquilidad, serena felicidad), y el primer ceramista documentado, en construir un Chawan para la ceremonia del té en Japón.
La técnica de construcción en la familia Raku, permanece hasta hoy en día, y es la única familia en Japón, que mantiene su modo de construcción, tras quince generaciones.
Hacemos, con el gres elegido, una pella de 1,1 kg
Aplastamos, con la palma de la mano, la pella, hasta conseguir una "torta" de entre 12 y 16 cmts de diámetro, por unos 3 cmts de altura.
Sobre una torneta, vamos levantando las paredes de la "torta", y le vamos dando forma a la estructura (unos 9 cmts de altura, por 12 de diámetro), que posteriormente ,en dureza cuero, iremos trabajando, hasta darle la forma definitiva.
Una vez en dureza cuero, comenzamos a "sacar" el Kodai (pie)
Y le damos la forma y acabado definitivo.
Trabajamos las paredes exteriores, y el interior, buscando la forma y equilibrio.
Es fundamental que las paredes interiores sean rectas y lisas, con forma cóncava en su unión con el fondo (liso, suave y sin rugosidad)del Chawan, para facilitar el batido del Matcha, con el Chasen (escobilla de bambú).
Éste, podría ser su aspecto final.
Como todos, bien sabéis, habrá que esperar a que seque totalmente, antes de entrar al horno para bizcochar, y posteriormente proceder a su esmaltado y segunda cocción, que siempre hago en condiciones de reducción, bien en horno de gas, bien en horno de leña.
Si hay suerte, al final del proceso, quedará algo así:
O así!!... Dependiendo del esmalte utilizado, y el efecto que busquemos, para su apariencia final.
ADN CERÁMICO: Mª CARMEN MARCO DASI, Tavernes Blanques, Horta Nord, València.
Licenciada en Bellas Artes en la Universidad de Valencia, Animación Sociocultural y Grado de Cerámica Artística en Escola d’Art i Superior de Cerámica de Manises donde presentó su proyecto final con juegos de mesa en cerámica, reproduciendo juegos antiguos de diferentes cultures y creando juegos innovadores.
Su obra va desde decoración de azulejos de botánica pintados con la técnica del siglo XVIII...
Se dedica profesionalmente a impartir clases de Dibujo y Pintura y Artesanía en la Universitat Popular del Ayuntamiento de Valencia.
Ha sido presidenta de la Asociación Nacional de Profesionales de cerámica desde 2015 a 2025, donde participa activamente en exposiciones y cursos de ANPEC
CARMEN MARCO DASÍ
- Telèfon 645612540
- Correo : cmarcodasi@hotmail.com
- Facebook Instagram: Carmen Marco Dasí
EVENTO: El Festival Internacional de Cerámica Argillà Argentona celebra del 3 al 5 de julio su edición de 2026 con una programación reforzada que amplía la participación internacional, incorpora a La Rambla como primera ciudad cerámica invitada y apuesta por nuevas actividades familiares, exposiciones y espectáculos dedicados a la creación cerámica contemporánea
EN EL TALLER: ESGRAFIADO, con Cami Fernández y Ximo Navarro
En qué consiste la técnica del esgrafiado en cerámica
El esgrafiado en cerámica es una técnica decorativa arraigada en la tradición artística que se comenzó a aplicar hace miles de años. En la actualidad sigue siendo un recurso al alcance de cualquier ceramista artesano, con el que se pueden crear piezas realmente llamativas.
Qué es el esgrafiado en la cerámica
La etimología de la palabra “esgrafiado” nos remonta al italiano “sgraffiare”, que se traduce como rascar, un término que recrea la acción de crear detalles y patrones mediante el raspado de la superficie. Esta técnica se apoya en el uso de herramientas especializadas como el grafio o el punzón, aunque realmente puede utilizarse cualquier instrumento afilado para lograr el efecto deseado.
El esgrafiado tiene raíces milenarias, ya que su historia se remonta hasta el IV milenio a. C., pero fue en la Edad Media cuando alcanzó su apogeo técnico. En este período, en el mundo islámico, se destacó especialmente al decorar piezas del servicio de mesa, así como cerámicas de almacenamiento. En este contexto, es común encontrar el esgrafiado combinado con otras técnicas decorativas, como el estampillado.
Pero el esgrafiado en cerámica no se limitó al mundo islámico; también se extendió como una alternativa decorativa más hasta algunas de las antiguas y vibrantes tradiciones alfareras en el continente africano. Por ejemplo, las alfareras del Rif han empleado esta técnica, aportando su distintivo toque a la producción cerámica en la región.
En qué consiste esta técnica
Una de las formas más llamativas de esta técnica consiste en realizar incisiones delicadas sobre la superficie cerámica engobada o pintada, a menudo utilizando óxido de manganeso. Esto revela el color de la pasta cerámica, creando un efecto visual de contraste con la capa superior. Este proceso se denomina esgrafiado bajo cubierta cuando se realiza antes de aplicar un vidriado.
La aplicación del esgrafiado en cerámica es un proceso meticuloso, pero podemos realizarlo con paciencia en nuestros proyectos caseros.
Comienza con la creación de un diseño detallado en papel, considerando las medidas de la pieza, las áreas donde se mostrará la arcilla del fondo, los colores y la modulación de líneas. Luego, se elabora una versión en papel de calco, donde hay que resaltar únicamente las líneas para facilitar la transferencia a la pieza cerámica.
Al tener la pieza engobada en estado de dureza de cuero, se utiliza un punzón fino para transferir el diseño. La incisión debe ser mínima, teniendo presente la humedad de la pieza. Una pieza más húmeda puede arrastrar más arcilla, dificultando la transferencia, mientras que en estado de dureza de cuero, el dibujo se calca mejor, ya que la arcilla se hunde sutilmente con el trazo del punzón. Sin embargo, si la pieza está demasiado seca, el proceso se realiza a mano alzada, sin posibilidad de calcar el diseño.
Una vez trazadas las líneas generales del dibujo, dejamos que la pieza se seque. Esto aportará una textura distinta al esgrafiado en comparación con cuando está en estado de dureza de cuero.
Después de un completo secado, el siguiente paso es someter la pieza a una cocción entre 900 °C y 1000 °C. Una vez terminado este proceso, retiramos la cerámica del horno y procedemos a limpiarla minuciosamente con una esponja y agua para eliminar cualquier impureza generada durante la manipulación.
En la fase final, preparamos un esmalte transparente y lo aplicamos, procurando que quede uniforme para evitar sectores opacos o sin esmalte. Este paso proporciona un acabado protector y también realza y resalta los detalles del esgrafiado, culminando el proceso con una pieza cerámica lista para su presentación final.
El esgrafiado es compatible con otras técnicas como el lustre. En la imagen, pieza realizada por Cami Fernández y Ximo Navarro en colaboración con Oscar Marín
DE UN TIEMPO Y UN PAÍS: EZEQUIEL DE LA HOYA, ACUARELISTA. Aunque el Colectivo ha derivado en estos años hacia la cerámica, siempre ha estado relacionado con artistas de otras disciplinas. Ezequiel de la Hoya, compañero, amigo y juntos, viajeros por la nórdica Europa, ha sido una de esas personas que siempre estuvo ahí para sacar adelante proyectos de exposición y poesía.
“La acuarela tal como era y el misterio de la introspección deconstructiva” y sobre la que Ezequiel nos introduce con estas poesía:
Pinto por pintar / Por ver el color del cielo / Reflejado en el mar.
Pinto por amor a los senderos / Los árboles y los sueños… / Con sus sonidos de libertad,
Pinto porque el alma / Nunca sabe a dónde va / Y le trazo caminos, / Hacia la soledad.
Pinto con la frágil ilusión / De aliviar algo el dolor / Que emanan las tres heridas / Tras la mirada perdida.
Con motivo de la situación social creada por el Coronavirus en España, la Asociación Española de Pintores y Escultores creó la iniciativa: #YoQuePintoEnCuarentena. A través de este proyecto, los artistas mostraron la importancia del arte en situaciones tan adversas, como es en el caso del COVID-19, que llevó a la población española a cumplir una cuarentena en sus respectivos hogares. El punto de vista del arte y de los artistas es muy importante en estas situaciones, ya que éstos son capaces de dotar de un atisbo de luz las situaciones más adversas.
Pinto lo que veo
Como lo siento
A la luz de las estrellas
Con tonos de desamor
Haciendo flores de mis pensamientos.
- Bienal Internacional de Nuevas Técnicas, Conceptos y Desarrollos en Acuarela Caudete. 2012
- XXXIV Certamen de Pequeño Formato
- Exposición del socio Ezequiel Hoya que lleva por título “La acuarela tal como era y el misterio de la introspección deconstructiva”
- V Bienal Internacional de Acuarela. Edición 2011
- Exposición en la SALA DE EXPOSICIONES DEL CENTRO MUNICIPAL DE LA ARENA DE GIJÓN.
ADN CERÁMICO: JUAN PERDIGUERO TRILLO
Juan Perdiguero Trillo (n. 1996) de Aranda de Duero, Burgos, España, localiza sus raíces artísticas a cuando tenía 12 años como artista del graffiti en su ciudad natal. Tras graduarse en Bellas Artes en la Universidad de Salamanca, ha expuesto sus obras en Burgos, Madrid, Lisboa, Buenos Aires, Nueva York, Londres, México, Barcelona y Filipinas, mientras continúa perfeccionando su arte.
En la imagen, los accesos de la iglesia de Santa María de Aranda de Duero muestran una imagen poco habitual, en la que el arte contemporáneo dialoga con la historia y la iconografía de la fachada del templo. Sobre la barandilla del atrio puede contemplarse Retorno al Edén, obra de Juan Perdiguero Trillo, integrante del nuevo colectivo de jóvenes artistas ribereños VIRA.
A Perdiguero Trillo le interesa el acercamiento y fricción entre los rituales y dogmas establecidos por la comunidad del arte y del graffiti, donde se producen y juzgan las imágenes. Esta combinación es fundamental para sus exploraciones pictóricas del presente. Como artista español Perdiguero Trillo bebe de los grandes maestros españoles y sus temáticas: pintura heroica, pintura religiosa, retablos, etc. Combinados con gestos vandálicos, por encima de lo que Perdiguero Trillo se empeña en retratarnos como un gesto de vindicación y encuentro, sus pinturas son alegorías que hacen referencia a las actitudes típicas del graffiti y de su vida.
Junto a toda esta trayectoria artística, ha combinado los botes de pintura con el trabajo en un taller de cerámica, en la construcción de hornos y en la actualidad, en la preparación de platos para una exposición.
EVENTO: Del 7 al 11 de agosto de 2025 ha tenido lugar la 45 edición de la Feria de Cerámica de Burgos, en el Paseo Marceliano Santamaría
La presente edición cuenta con la obra de 16 talleres, procedentes de diferentes puntos de España y Portugal.
EN EL TALLER: ATAIFOR por Luis Larriba
El ataifor es un cuenco hondo de época andalusí que sirve para presentar y compartir alimentos.
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Los arqueólogos utilizaban este término para todos los tamaños pero ahora se reserva ese término para los de un tamaño mayor, los de menos de, aproximadamente, 20 cm son zafas, escudillas, etc.
Los ataifores, cuencos, escudillas, zafas y demás vajilla andalusí están fabricados con barros locales, rojos los de la meseta y Teruel, terracotas claras los de Levante. Se tornean con un borde quebrado que, generalmente, se remarca con la punta de la tiradera o del dedo creando un labio afinado en forma de lenteja; cuando están duros se retornean formando anillo de solero y arranque de umbo en unos casos y base rehundida con arranque umbo en otros.
La forma interior se hace con la curva de la tiradera o con un casco hecho con la boca de un cuenco a modo de plantilla.
Estas formas se cubren con esmaltes blancos de estaño y plomo (yo utilizo siempre una mezcla de 4 partes de Siglo XVIII y 1 parte de crema mate 6040).
La decoración verde y negra se obtiene a base de óxido de cobre negro y fundente al 50% y óxido de manganeso 2 partes por 1 de fundente.
La decoración a pincel exige entrenar en papel con pinceles caligráficos chinos de distintos tipos: la pincelada verde suele ser una mancha mayor y más diluida que se perfila con el manganeso más concentrado.
DE UN TIEMPO Y UN PAÍS: MAG BRUNO.
Autodidacta, desde la niñez ejercitó la observación directa de su padre también pintor Félix González Marcos, en su juventud publicó algunos dibujos en portadas y páginas interiores de revistas y cómics especializados.
Pero dejemos que nos lo explique él mismo en una de las entrada de su blog:
El ejercer una profesión liberal me permite alternar esta con la pintura, aunque solo hago trabajos de encargo y para satisfacción personal. En 1983 marcho a Venezuela, donde resido y trabajo por largo tiempo. Recorro los países del entorno y me pongo en contacto con distintos artistas americanos. A mi regreso a España sigo pintando y viajando por más de una treintena de países de todos los continentes, ya que tras la pintura es mi mayor placer y fuente de inspiración. Aunque ya había expuesto anteriormente, a partir de 1997 intervengo más activamente en exposiciones y eventos que amplíen mi curriculum, sin olvidar los trabajos de encargo, que son mi principal fuente de ingresos. Obtengo diversos premios y soy solicitado para dar clases de pintura, ilustración o cómic en colegios e institutos de enseñanza media, así como soy jurado en distintos certámenes y concursos.
En el año 2002 adquiero una casa en la Laponia sueca, donde instalo un estudio y vivo allí al menos tres meses cada año.
MEDIOS Y ESTILO: Sobre todo utilizo el óleo en distintos soportes, aunque también tengo una buena producción de acuarelas y en menor medida de acrílicos. También trabajo la escultura en arcilla, en colaboración con el ceramista José Palacio y otros materiales como el hierro, el grabado, pirograbado.
En cuanto al estilo, es un estilo figurativo propio, destacan los colores muy vivos y los contrastes de tonalidad.
En una crítica firmada y fechada en París (Francia) en enero de 1998 por la crítica de arte Tatiana F. Plotka, que apareció en medios especializados en arte franceses, llama a mi estilo “La vital expression” (Expresionismo vital), me propone como su creador y lo define como.... “la pintura de Mag Bruno, es lo que nos gustaría ver cada vez que abrimos nuestra ventana”. Yo lo he llamado “VITALISMO”. Actualmente hay seguidores de mi estilo en Cuba (donde se estudia en universidades y academias de arte), Suecia y en España.
ADN CERÁMICO: SUSANA MESAS. Una vida entre el barro, la creatividad y el aprendizaje.
Como creativa, he pasado por diferentes procesos, al igual que sucede en la vida. Desde pequeña, mi vocación ha estado ligada a la creación, a jugar imaginando y a descubrir nuevas formas de expresar aquello que llevaba dentro.
Siempre quise ser ceramista, creativa. Por eso, mi formación académica ha estado vinculada al mundo de las artes y los oficios. Me formé en la Escuela de Artes y Oficios de Valencia y en la Escuela de Cerámica de Manises, realicé un máster en Alicer y tuve la oportunidad de aprender junto a diferentes artesanos y artesanas. Sin embargo, si hay algo que realmente ha marcado mi aprendizaje, ha sido mi propia curiosidad, mis inquietudes y todos los retos que se han ido poniendo en mi camino.
Este oficio no siempre es fácil. Hay muchos «no», muchas dudas, muchos “no es tan fácil”, momentos de incertidumbre y un largo etcétera. Pero también hay algo que compensa todas esas dificultades: la posibilidad de seguir aprendiendo y de descubrir cada día algo nuevo.
Y si hay una parte del oficio que me apasiona especialmente, es el proceso. Desde el primer contacto con el barro hasta que la pieza llega a su acabado final. Me fascina ese diálogo que se establece con la pieza que estás creando, esa relación que comienza con la materia y que va transformándose poco a poco hasta convertirse en algo único.
Me considero una aprendiz de este oficio, y eso es precisamente lo que más me gusta: aprender, jugar, experimentar y, sobre todo, divertirme creando.
Cuando me preguntan por qué se me conoce dentro de este oficio, la respuesta no es sencilla. Mi actividad abarca diferentes ámbitos. Compagino la realización de piezas en el torno y mediante técnicas de modelado con la experimentación de diferentes técnicas decorativas, PINTAR UTILIZANDO COMO SOPORTE LA CERAMICA, LA PORCELANA ME APASIONA.
También desarrollo mis propios productos, como mis conocidas pajaritas de cerámica para hombres, mujeres y mascotas, que forman parte de mi manera personal de entender y acercarme a este material combinando el modelado, la decoración y el arte textil otras de mis pasiones.
A todo ello se suma otra faceta que para mí es fundamental: la docencia. Imparto clases en la Universidad Popular técnicas decorativas porcelana y cerámica y en la Academia de Arte del Campus Adventista, escultura, torno, modelado, además de realizar masterclass y ofrecer formación especializada en diferentes técnicas decorativas, modelada y todo lo que tenga relación con el arte cerámico relacionado con el patrimonio en diferentes centros y ayuntamientos.
Crear y enseñar son dos caminos que, en mi caso, van de la mano. Porque cada vez que enseño también aprendo, y cada nuevo aprendizaje vuelve a alimentar mi creatividad.
Crear, diseñar y recuperar la historia
Otra de mis grandes inquietudes es la creación de producto y el diseño, así como la reproducción de piezas antiguas. Su pasión por la historia y el arte está presente tanto en sus trabajos como en su manera de enseñar.
Conocer el pasado es fundamental para comprender quiénes somos y de dónde venimos. El patrimonio y la cultura no son únicamente elementos que debemos conservar; también son herramientas para aprender a valorar el trabajo artesanal y todo aquello que existe detrás de una pieza realizada a mano dando visibilidad siempre a los artesanos y artesanas.
«Hay algo especial en aquello que está hecho con las manos, la cabeza y ese ingrediente secreto que es el corazón», señala.
Esa combinación de conocimiento, técnica, creatividad y emoción constituye el eje de su filosofía. Porque, en su opinión, las personas no dejan huella únicamente a través de sus obras, sino también mediante las historias, los conocimientos y las emociones que transmiten.
Me encanta diseñar proyectos de aprendizaje con mis alumnos en los que la exposición se convierte en la guinda final. Creo en crear un aula donde aprender haciendo, investigar, crear y compartir sean parte del proceso, y donde todo lo aprendido cobre sentido al presentarlo ante los demás.
Comienza para mí una nueva etapa, en la que mi obra tendrá la oportunidad de ser expuesta en diferentes museos y salas de arte.
Estos espacios se convertirán no solo en lugares donde mostrar mi trabajo, sino también en escenarios para compartir las técnicas, los procesos y las decisiones que hay detrás de cada obra. Me interesa especialmente abrir un diálogo con el espectador, acercarlo al proceso creativo y generar un encuentro en el que la obra pueda ser observada, interpretada y vivida desde diferentes miradas.
Esta nueva etapa supone un paso importante en mi recorrido artístico: llevar mi obra a nuevos espacios, compartir lo que hay detrás de ella y convertir cada exposición en una experiencia de encuentro y diálogo.
La cerámica como relato
Susana Mesas considera que todavía tiene mucho que aportar al mundo de la cerámica: ilusión, nuevos procesos, técnicas y, sobre todo, una mirada diferente.
Mi concepto de la cerámica va mucho más allá del objeto terminado. Una pieza no es simplemente algo que se observa o se utiliza. Es un relato.
«La cerámica no es un objeto acabado, es una historia que nos cuenta», afirma.
Y esa historia puede interpretarse de muchas maneras. Puede estar en las formas, en las texturas, en los colores, en las técnicas utilizadas o incluso en las propias manos que han dado forma a la pieza o esos momentos y conversaciones que han surgido en el momento. Mi pasión por la lectura tenga algo que ver con esta manera de entender el oficio. Como en un buen libro, cada pieza puede esconder una historia, despertar una emoción o invitar a quien la contempla a imaginar, a sentir. Una cerámica que nace del barro, pasa por las manos y termina contando una historia. Vamos lo que se dice TOCAR en todos los sentidos.
THE END
SU MESAS
EVENTO: EXPOSICIÓN COLECTIVA "COBALTO Y COBRE" EN MUEL (ZARAGOZA)
Participación de una parte del Colectivo de Artistas Arttefacto en la exposición COBALTO y COBRE , organizada por Anpec cerámica, en el Taller Escuela de Cerámica de Muel (Zaragoza), coincidiendo con CERCO, y que podréis visitar del 25 de septiembre 2026 hasta el 9 de enero de 2027.
No os la perdáis !!
El Taller Escuela Cerámica de Muel va a acoger en su sala de exposiciones una nueva muestra colectiva.
La exposición se llama Cobalto y Cobre, una exhibición itinerante organizada por ANPEC (Asociación Nacional de Profesionales de Cerámica).
Esta muestra hace un homenaje a los dos principales pigmentos óxidos colorantes de la cerámica mundial: el óxido de cobalto y el óxido de cobre.
Ambos tienen características muy diferentes; el cobalto es altamente estable, proporciona un resultado predecible en multitud de soportes, lo cual lo ha convertido en uno de los pigmentos más utilizados en cerámica, desde las primeras lozas egipcias y persas hasta nuestros días.
Por el contrario, el cobre es mucho más versátil y reactivo. Puede dar como resultado un amplio rango de colores, en función de la composición del esmalte y la atmósfera de cocción.
Los visitantes podrán disfrutar de las particularidades de cada óxido colorante empleado en las obras expuestas, con aplicaciones y soportes muy variados.
EN EL TALLER: Curso de Cerámica Histórica: piezas VACCEAS, CELTÍBERAS, CARPETANAS Y VETONAS
- Técnica: Modelado a torno
- Acabado: Retorneado, bruñido decorado a pincel
- Modelo de referencia: Cráteras de Rauda Vaccea y Pintia
MODELADO EN TORNO
La técnica del torno es uno de los métodos más fascinantes y gratificantes en la cerámica. Si eres principiante y deseas aventurarte en este arte, aquí tienes una guía paso a paso que te ayudará a comenzar tu camino en el uso del torno de alfarero.
Corta la Arcilla: Toma una porción de arcilla del tamaño de una pelota de tenis (aproximadamente 1 kg es un buen punto de partida).
Amasa la Arcilla: Amasa la arcilla para eliminar las burbujas de aire y conseguir una textura uniforme. Esto también ayuda a que sea más manejable en el torno.
Centrado de la Arcilla
Coloca la Arcilla: Haz una bola con la arcilla y colócala en el centro del plato del torno.
Humedece tus Manos: Usa agua para humedecer tus manos y la superficie de la arcilla para facilitar el proceso.
Enciende el torno a baja velocidad.
Centrar la Arcilla: Con ambas manos, presiona la arcilla hacia abajo y hacia el centro. La idea es formar un montículo centrado en el eje del torno. Esto puede llevar tiempo, pero es esencial para lograr una forma uniforme.
Formación de la Pieza
Aplanar la Parte Superior: Una vez centrada, presiona hacia abajo en el centro con el pulgar, creando una depresión. Este será el fondo de tu pieza.
Levantamiento de las Paredes: Usa tus dedos para empujar suavemente hacia afuera y hacia arriba, levantando las paredes de la pieza. Mantén una presión uniforme y ajusta la velocidad del torno según sea necesario.
Ajusta la Forma: Continúa moldeando la arcilla hasta lograr la forma deseada (puede ser un tazón, una taza, etc.). Asegúrate de que las paredes tengan un grosor uniforme.
Refina los Bordes: Usa una herramienta de modelado o tus dedos para alisar el borde y darle la forma final.
Limpiar la Superficie: Con una esponja húmeda, limpia cualquier exceso de arcilla y suaviza la superficie.
Deja Secar: Una vez que estés satisfecho con la forma, deja la pieza en el torno para que se seque un poco, luego retírala con cuidado.
DECORACIÓN DE LAS PIEZAS
Decoración incisa. Tanto el Diccionario de términos de arte de Fatás y Borrás, como el Diccionario de términos cerámicos y de alfarería de Antonio Caro Bellido, siguiendo a Gómez-Moreno, definen las técnicas de incisión como conjunto de «cortaduras o entalles» realizados presionando o hendiendo el barro antes de cocerlo, cuando «está a punto de oreo».
La decoración plástica consiste en la aplicación de rollos, mamelones o pequeñas asas a la pieza cuando se encuentra en dureza de cuero.
Decoración a pincel de pigmentos y barbotinas
En este curso se analizaron las características, manejo y cuidados de los diferentes tipos de pinceles, pinceletas y brochas, además de conocer las diferentes técnicas tradicionales para el dominio de la pincelada.
Uno de los objetivos principales del taller es difundir la cerámica tradicional del Territorio Vacceo y celtíbero y que tanto profesionales como aficionados conozcan cuales son las técnicas utilizadas para conseguir piezas tradicionales.
COCCIÓN OXIDANTE
Las piezas de esta fase del curso, son cocidas en un ambiente que reserva, dentro del horno, una cantidad excedente de oxígeno libre que permite la completa combustión y oxidación de los minerales y materiales de la pasta. Esto se consigue con una corriente o tiro de aire que evita que el fuego se ahogue y genere humo. La cocción oxidante consigue por lo general, pastas de color anaranjado o rojo intenso, aunque también marrón de diversas tonalidades, dependiendo de los componentes de la arcilla.
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